闪光少女

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啊，本来还想在开头演下萌二，但是发现自己实在做不来这种事情……

开门见山吧，这片子本质其实就是一个迪士尼式或者宽泛一点说美式的校园青春片。

主干剧情就是在学校有两大势力的背景下，女主为了吸引另一边势力的校草前辈的注意，联合学校里的一群边缘人士，组了一个band，结果发现前辈是个渣男，又和band成员发生了矛盾然后和解，然后在少女和伙伴的努力下两大势力达成了和解，然后少女也收获了真爱。

没错，这就是一个校园青春片的[划掉]套路[/划掉]经典剧情构造。

阅片无数的贵瓣群众大概能想起无数类似的校园片、青春片吧。

只是这个构造中的“边缘人士”放在美帝，那就是各种geek、nerd，放在国内就是[划掉]“萌二”[/划掉]二次元。

这个替换的出发点我觉得还是可以接受的，算是一个不错的题材元素本土化策略。

其实除开服装，二次元元素在整个影片的流程中所占的比例还是适度的。

但是还是难免会有些监介。

特别是几个相关角色的登场初期。

在我看来根本原因是影片整体采用了一种动画或者漫画式的演出风格。用这种风格表现一般人物可以说是适度夸张，也符合校园喜剧的这么一个定位，毕竟校园片太写实就会立刻变得平淡。但是这种演出风格或者说表现手法，到了502宿舍的四个宅妹子身上、以及片中登场的其他宅宅身上，立刻夸张到了变形。加上在人物设定上，对502的妹子们生搬硬套了真·二次元的所谓萌元素。两相结合，成为了本片最大的尬点。这在两个lo娘初登场时的台词上表现的异常明显……“呐~~~~~~♥”你妹啊！！还好后期说话相对正常了……

[说起来，502宿舍的布景虽然在选取作品的方向性上有点杂，我觉得倒是做的挺好的，居然连小马都有（有个镜头可以看见背景里有虚化了的大公主www），可以说是非常硬核了www]

还有一点，我感觉编剧似乎是试图通过对几个宅妹子配角和诸多宅宅路人的塑造来体现二次元的美好？然后间接的表现梦想和青春的美好的影片主题？（此处为个人的阅读理解，乃是语文应试教育遗毒）但是不知道为什么，总有一种一知半解基础上的谄媚感……（此处待议）

把二次元元素先放一边，回到影片本身。

在国产青春片的分野之中，这部电影可以算是难得的良作以上接近佳作，没有什么做作的伤痛。虽然在暑假蒙太奇那段中，对各个角色困境的表现来得有些突兀，但是这些细小的、日常的、来自家人和朋友的困境或多或少我们每个人以前和现在都在遭遇着。

再说到影片的几段演奏，这应该是全片最出彩的地方了（哦，除了最后音乐厅演奏那段莫名其妙的AR特效）。尤其是中西互怼，真是做的非常漂亮，可以算是全片的小高潮了。这段目前在微博上是宣传重点，没看过的朋友们可以去找来看下。

最后来吐几个槽

1、尻佬真可怕，万物皆可尻，连民乐合奏都能尻的起来。

2、面对废系危机，六个少年少女带头站了出来！

3、我要是资方、编剧或者导演，肯定不会要求傻逼宣发下跪什么的啦~~~

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切腹就可以了。

——Otakuma

2017年7月27日

想装萌二结果失败了的END

相信无论是学动画、从事动画行业的业内人士，还是单纯热爱动画、沉迷「二次元」的爱好者，大多数人都曾经有类似的经历——

或许你是个小圈子里的大手，微博上发个图动辄成百上千转，B站发的视频被密集的弹幕所覆盖。可当你从圈子里回到现实，根本没有人认识你，你依旧与周围格格不入，甚至，连家人也不理解你的世界，将你喜欢的东西看作是妖魔鬼怪。

或许你在网络上只是个小透明，但好歹有一群志同道合的小伙伴，每天聊天吹水，互相卖对方安利，倾诉着各自对动漫的热爱之情。可当你脱离网络，现实中的朋友没有人会陪你聊那些你热爱的东西，甚至，他们可能还会对动漫冷嘲热讽，认为这种热爱过于幼稚。

「你学这些有什么用，那玩意儿以后又不能当饭吃。」

不仅仅是二次元，「有什么用」大概是每一个曾经在某个冷门圈子里小有所长的青少年，都会被家人无数次过问的问题。

它希望将世界一切事物划分为了有用之物和无用之物，彻底隔绝了对「无用之审美」的情操陶冶，其思想代表了成年人的功利主义与青少年时期的纯粹热爱之间的碰撞。

但是，即便你所热爱的东西和整个世界都不一样，看起来似乎「没什么用」，它依然有存在的价值，因为它塑造了你的个人人格，也培养了你的生活情趣。

目前正在上映的电影中有一部叫作《闪光少女》，是目前国产保护月内猫眼评分最高的一部，高达9.2分。然而，在国产青春片市场妖魔乱舞，各种顶着「大IP+小鲜肉」标签的粗制滥造作依然获得上亿票房的情况下，这部难得的国产青春片佳作却票房惨淡，排片率低下，上映5天仅3000万票房。

《闪光少女》讲述了一个为了向喜欢的师哥证明扬琴的少女陈惊，在组建民乐乐队的过程中遇到了几位二次元女孩。从互不了解到走进对方的世界，陈惊和她们的「2.5次元」乐队能否改变民乐被冷落、误解的现状？这些他人眼中的另类，又能否走出自己的路？

她大声喊出了自己的答案：不一样，也能闪光。

很多人说《闪光少女》是个坏名字，我不能同意。

片名其实已经很好的囊括了片子的气质：不想留下任何遗憾的少女们（和一个少男），痛痛快快的活在当下，只为那瞬间的闪耀而耗尽全力，肆意挥洒青春的汗水。

《闪光少女》这个名字其实借鉴自东京事变的同名歌曲，本身就是JPOP名曲。其实私心一直觉得这个名字和另一首无限开关的JPOP名曲《全力少年》有异曲同工之妙，都是我曾经无限循环的歌曲。单看名字就能让我这种老胳膊老腿的大叔再一次产生全力奔跑、全力闪耀的冲动，这种名字怎么会是烂名字呢！！（摔！！）

点击收听閃光少女東京事変-スポーツ

苹果女王赛高！

但不可否认的是，《闪光少女》的海报和预告实在是大失水准。看光海报还以为会是穿着好似《巴拉拉小魔仙》、《舞法天女》的山寨风天雷剧，也让很多影迷敬而远之。

感受一下这片最初宣传海报的风格……真的尬出天际了

由于「二次元」近期被资本炒得火热，「二次元」也变成了一个大框，什么东西都在往里面装。因为只有把概念炒大，那些以二次元为受众的创业公司才能更方便融到资。于是，无论你来自动画圈，游戏圈，还是LO圈，COS圈，哪怕有些圈子之间实际上联系并没有那么大，大家还是都被叫成了「二次元」。甚至有些毫不沾边的东西也被强行划到二次元范畴内，这也导致了很多人对这一概念的反感。在这样的前提下，出一部讲述二次元的青春片，很容易被人误认为是强行蹭热点。

可我想为《闪光少女》作辩解，它真的不是这样一部电影。资深的二次元们很容易看到有关二次元的部分充满瑕疵，也难免有单纯贴标签的嫌疑——

比如说，片中502宿舍的装饰过于浮夸，而且她们的日常穿着也过于夸张，实际上很少有人平时上课也穿LO装和COS服；

比如说，片中对古风的常识不足，为了凸显古风的正当性硬扯上《中国通史》和古代乐器变迁，有些强行拔高的意思，实际上古风的正面意义更多在于发扬传统乐器而非研究历史和继承古乐；

又比如说，漫展上的偶像宅跑到音乐厅给民乐打CALL，强行把几个交集很小的圈子凑到一起，也是让人尴尬的一点。

我也就片中的相关部分是否能被二次元接受这一问题，在自己微博上专门做了一个小调查。结果，即使很多人会对其中二次元部分觉得尴尬，也依然对这个片子抱有好感。

我想问题的关键在于，鲍鲸鲸的剧本有一种真诚的气质。

大多数国产青春片，无非是两个套路。

一种把青春的迷茫和苦痛单独抽出来刻意强调，打架、做爱、堕胎、撕逼，以非常过激的方式撕开青春期的伤痕。他们有意展现青春的残酷，却又将其仅仅当作一种噱头而并未触碰其本质。他们或巧妙的利用了青少年对青春的不安和对成熟的渴望，或迎合青春期有意放纵而又充满踌躇的心态，毫不负责将他们推向虚构出的浮华。他们，只是对日式「太阳族电影」的拙劣模仿。

另一种，则是青春逝去之后的怀旧叙述。影片是以成年人视角出发的，也是拍给成年人看的。然而，大多数此类青春片为了引发成年人共鸣，会沦为大肆堆砌时代符号的产物。甚至，他们可能来自成年人青春不再的吁叹，可能来自酒桌上吹嘘青春往事的谈资，更可能只是中年大叔企图重走青春、满脑子荷尔蒙的意淫。

但《闪光少女》不是这样的青春片。她讲诉青春的迷茫，却并不是血淋淋的撕开伤口，而是温柔将其抚平。她也讲诉青春期的爱恋，但并没有爱得撕心裂肺，而仅是浅尝辄止，只是每一段平凡青春里微不足道的小心思。

更重要的是，她还讲述了青春里珍贵的友谊，成长和活力。青春是拿饮水机涮火锅的小机智，青春是暗中顶撞老师的小叛逆，青春是打架后没心没肺的握手言欢，青春也是低落时和你站在一起的伙伴。青春是挫败后的踌躇和迷茫，青春更是每一次竭尽全力的闪光。

她没有成年人居高临下式的虚伪和傲慢，也不是猥琐中年人回望青春时的意淫产物，而是真真切切的，真正发生着的青春。这是目前国内青春片最难得可贵的品质。

至于片中的二次元部分，我无法确定鲍鲸鲸对二次元描述失实的原因。或许是为了加强戏剧张力，或许是为了还原主流视野下被妖魔化的二次元，又或许是因为圈外人看圈内，有些雾里看花，更可能是三者皆有。

但抛开二次元这一层外皮来说，《闪光少女》的故事核心其实在于每个不一样的人都应该被得到尊重，有拥有闪光的权力。二次元只是一个切入点罢了。

在这个核心的基础上，虽然鲍鲸鲸笔下的二次元过于夸张，但她并没有像目前众多的「二次元综艺」节目那样以猎奇的心态去展现二次元，而是平等的注视着二次元。

有一些尴尬，有一些不合群，有些行为让人无法理解，但有自己热爱并坚持的东西，刨开「生人勿近」的冷漠外表下依然饱含着青春特有的亲切与热情——无论是不是二次元，这都是青春共通的闪光点。鲍鲸鲸找到了这个点。

所以尽管女主角陈惊对二次元充满误解，可她在实际接触过真实的二次元后，能够抱着互相尊重的平等态度和她们交朋友。当陈惊解救了被人欺凌的自闭少女时，说出「每个人都有自己想要珍惜的东西，这事儿好笑吗」时，才真正走进了片中二次元们的内心，正式与二次元们达成和解。

就在陈惊挺身而出的那一刻，我觉得自己也与鲍鲸鲸达成了和解。

尽管鲍鲸鲸笔下的二次元笑话百出，一开场时让我特别尴尬，但就好像与朋友相处一般，只要互相了解之后，仍然会发现对方身上的闪光点。其实二次元和非二次元没什么不同，朋友之间并不需要一定要对彼此的兴趣爱好都了如指掌，因为无知而闹出的笑话并不是什么大不了的事情，只要大家是平等的，能够互相尊重就好。

在市场上充斥着对二次元的猎奇消费心态时，在我们真正出现一部属于二次元自己的电影之前，我觉得《闪光少女》是非常重要的一步。

按照惯例，每次夸完之后又要到挑刺的时候了。

前方剧透警告

《闪光少女》立意可以说是当前国产青春片中的一股清流，剧本结构虽俗套但也相当工整，不过仍然存在着诸多不足。

首先是王道少女漫类型的剧本，男女主虽然立住了，但女主的配角伙伴们还是苍白了不少，尤其是使用琵琶和中阮的贝贝、塔塔。需知对于青春片而言，配角的鲜活程度能够侧面加强观众对女主的移情，也能更让观众对故事中的世界产生代入感。想想《花牌情缘》中的肉包君、桌子君和小奏，正因为这些配角立起来了，才能更凸显千早对友情的重视，团队的力量才更有说服力。

真人电影版《花牌情缘》中大量缩减了剧情，但主要配角仍然立得住

这也是由于剧本中文戏过多偏向男女主（尤其是开篇略有些冗长了），而群戏中又缺乏女主与配角的互动所造成的。青春片中共同奋斗的小团队，最重要的是那些细节里的小互动，比如生活中一次无聊琐碎的交谈，比如演奏过程中一个肯定的眼神。

在剧本不能够给配角充分戏份的情况下，通过加强一些细节来让观众在脑海中自行组成形象是更有效的办法。但剧本对502宿舍众人的喜好并未做出清晰的设定，而是倾向于将二次元属性整个一箩筐的往她们身上加，怎么方便怎么来。千指大人和樱仔要好很多，前者喜欢《黑执事》，后者喜欢萌系动画，但贝贝、塔塔被塑造得如同纸面人一般，除了LO娘的标签，几乎没留下什么印象。

然后另一个问题，是高潮的错位。影片的最大高潮来自于西洋乐和民乐大战那一场，在主角经历了漫长的黑暗时刻后，观众压抑许久的情绪在那一场戏得到充分释放。然而，这场戏实际上已经解决了女主所有的困境，并且突然将视角从女主转移到男主身上，此时唯一悬置的问题变成了男主对女主的感情。结果是，如果单纯将最后一场戏视为高潮的话，那么它缺乏高潮前的压抑，剧本的情绪线在这里显得有些平了；可如果从男主视角考虑情感线的补完，那这场戏又和前后两场有些割裂，缺少男女主的互动。

最后，也提一下被众多西洋乐学生所诟病的一点：过于夸张化西洋乐与民乐的冲突。我倒是觉得片子本身的气质，是适合夸张化冲突来引出故事的，完全按照现实中来未免无趣。但剧本确实在主题深度上没把握好——即使片中有借陈奕迅之口说出「音乐是无国界的」，片中的西洋乐学生也与民乐学生达成了和解，可是，西洋乐和民乐本身，并没有达成和解。这恐怕是西洋乐学生有所不满的更深层次原因。

片中是有机会做到这一点的，只要在最后一场戏上，多做一些西洋乐和民乐如何融合的过程即可——按最俗套、却也最有效的方式，我原以为最后一场戏会是西洋乐系和民乐系的同台合作，然而剧本并没有这样选择。或许片中是有心做这样一些尝试的，比如贝贝、塔塔在最后的演奏时换上了吉他和贝斯，可是之前毫无交代，显得突兀了一些，也缺乏足够的说服力能够表明她们在尝试融合西洋乐和民乐。如果从贝贝、塔塔出发多介绍一些她们对吉他、贝斯的掌握和对西洋乐的了解，整个故事会立得住许多。

说完了鲍鲸鲸编剧的问题，再说王冉的导演。鲍鲸鲸的剧本细节上哪怕有再多问题，最起码是灵气十足的，台词也相当出色；但是王冉的导演，真的无时不刻流露出一股粗糙的「网大」气息。

首先是过于生硬的转场。影片中有太多的这样的例子：在上一个场景起音乐烘托情绪，然后最后一个镜头音乐快速淡出，接着是下一个场景的定场镜头。且不说全片大量采用同样的转场方式过于单调，哪怕完全不懂视听语言的人也很容易感受到影片中转场时情绪的跳跃——观众还在感动上一场戏呢，你怎么就直接切了？！

然后是过于单调的场面调度和剪辑。坦白说，《闪光少女》的场面调度和剪辑是接近网剧平均水准的，相比院线标准要相差甚远。在《闪光少女》中，单个镜头里的完整表演很少，多半依靠剪辑来完成。如何通过镜头的构图，如何通过角色的走位，如何依靠视线匹配剪辑来叙事，片子里展现的很少。

甚至三场演奏的戏，永远是一尘不变的大特写快速剪辑，而且尤其爱用倾斜不稳定的构图来加强视觉刺激。这么拍燃戏在漫改真人电影里尤其多，可是过犹不及，三场戏拍得差不多是很容易审美疲劳的。就像那句话说的好，没有武林高手动不动掏刀子，刀子掏多了大家都知道那是用来削苹果的。缺钱可能是一方面，更重要的恐怕是导演对复杂的场面调度无法掌握，而采取了更省事的做法罢了。

最后，可能也是最重要的，反而不是技术上的。我深刻觉得导演缺乏了少女力，在表现热血的部分竭尽全力，但在如何抒情上却有些敷衍。如何用镜头去表现水面下那些无法用言语表达的情感，是每一个拍文戏的导演最需要学习的。如果镜头里没有情感的积淀，单纯靠剧本上去铺垫，在真正爆发的那一刻，力度会远远不够。真正好的电影，哪怕剧本已经了如指掌了，可每一次都能从镜头中体会到新的感悟。

说实话，要不是考虑到这是两口子，我都建议鲍鲸鲸换个导演合作了——可是导演能随便换，老公不是随便换的啊！而且，会喜欢《闪光少女》这种闪耀着少女心故事的观众，谁不希望幕后主创也是对神雕侠侣天作之合？

只能说，导演啊，请你争口气啊，好好补充一下少女力，要拍出更加配得上剧本的片子啊！

《闪光少女》不是一部完美的片子。

同样是音乐题材青春片，《闪光少女》剧本虽然有着优秀的出发点和相对完整的结构，可比起日本的《摇摆少女》无疑还是过于稚嫩了些。

同样是表现二次元题材，《闪光少女》导演也似乎有意识学习漫改真人电影的镜头运动，可比起美国的《歪小子斯科特》，视听语言上还是显得过于保守，缺乏新意。

但是《闪光少女》更重要的是展现了一个国产青春片的可能性。她让我们看到在中国这片畸形的电影市场下，是仍然可以拍出「正常」的青春片的。

没有撕逼，没有堕胎，更重要的是没有成人的虚伪和意淫，有的是青春中独有的热血，是拼尽全力的奔跑，是每一个平凡青春中不平凡的闪光时刻。

所以哪怕她相比最优秀的那些美国、日本青春片来说相差甚远，我仍然愿意支持她，支持这一份极其难得的「正常」。

愿每一个不一样的孩子，都能成为闪光少女。

愿每一个有梦想的孩子，都能成为全力少年。

本文首发于动画学术趴，作者马小褂，未经授权请勿转载。

《闪光少女》上映，让一首神曲又火了一把。

它就是洛天依演唱的《权御天下》。

《权御天下》就是《闪光少女》电影中千指大人用古筝弹的火爆弹幕网站的那一首，也是油渣跪下来膜拜的那一首，是2015年2月18日由“没有龟壳的乌龟”上传至B站的原创Vocaloid中文曲，由洛天依演唱，立时火爆，截止现在已经在B站点击超过400W，是国内二次元、古风和虚拟偶像爱好者们都知道的一首名作。

说是名作，但相信一定出现了很多你听不懂的词语，比如Vocaloid，比如古风，比如二次元、比如洛天依……别急，顺着《权御天下》来一一为你解答。

VOCALOID和初音未来

在介绍演唱者洛天依之前要先说一下初音未来。

初音未来并不是真实存在的人，而是一个由VOCALOID程序开发出的“虚拟角色”。

那什么是VOCALOID呢？

VOCALOID是由 YAMAHA 集团发行的歌声合成器技术。简单来说就是一种声音合成技术，使用VOCALOID就可以不需要录制任何新的声音资料就能模拟合成出歌曲和人声。

而YAMAHA推广这种技术的方法非常的日本特色，技术本是没有形象且枯燥无趣的，所以他们创造了全新的虚拟偶像初音未来，赋予她外形和性格，并给她演唱的机会，同时让她成为VOCALOID的代言人。

如此痴迷技术和音乐，又如此的热爱少女偶像，于是1+1后就诞生了初音未来。

随着技术的发展，初音的成功极大程度上改变了电子音乐人对于音乐业的认知和整个行业的格局。而今年也是初音10周年的纪念日，这个虚拟形象并不仅仅是一个动画形象，而是一个“真正意义”上的世界级女歌手，她的代表作如《甩葱歌》、《千本樱》等都具有全球影响力。

“中国的初音”洛天依

初音未来的成功在这十年让VOCALOID技术大为传播，也由此诞生了VOCALOID家族众多虚拟偶像，同时在韩国和中国都有各自的地区偶像。

此处由于家族成员太多，小编一时也学习不全，就只说中国洛天依为代表的VO中文家族。

洛天依12年7月12日正式出道，16年2月登上湖南卫视小年夜春晚，与杨钰莹合唱《花儿纳吉》，成为首位打破次元壁登上中国主流电视媒体的虚拟歌手。代表作有《普通DISCO》《权御天下》《一半一半》。

而此次在《闪光少女》中洛天依也有特别出演，也算是电影出道了吧。

《权御天下》和古风

初音和洛天依分别有一首VOCALOID名曲，就是《千本樱》和《权御天下》。

《千本樱》是“黒うさP”于2011年9月17日投稿至Niconico动画的单曲作品，是初音的代表曲目之一。歌曲以大正时代为背景，歌颂了大正时代的日本的清新风气与大正天皇的严明。2016年该曲的播放量已经突破1000W，是众多二次元粉丝心中的神曲。

《权御天下》不仅诞生和《千本樱》相似，在词创作上也和《千本樱》一样使用了历史元素，讲述的是三国时期东吴孙权争霸，霸气的曲风和浓重的古风气氛让《权御天下》为很多人喜爱。

《千本樱》和《权御天下》最吸引人的地方除了VO家虚拟偶像独有的快节奏曲风外，还因为歌曲的霸气古风容易带动人的情绪波动，不自觉的“燃”起来。而为了让这首曲子具感染力，《闪光少女》中的“千指大人”苦学历史的用功可见一斑。

而所谓古风如字面意思，是指古代文化在现代的一种呈现形式，魏晋南北朝，唐宋元明清，如今流行的古风文化比如汉服的流行，也比如古风歌曲，像《权御天下》相同歌词上都是近似诗词的韵味。

最火的版本却是古筝版

在《闪光少女》中，刘泳希饰演的“千指大人”最擅长的曲子就是《权御天下》，因为原曲节奏很快，古筝指法尽管相当炫酷，也是民乐乐器演奏者实力的展现。

而电影来源于生活，B站上《权御天下》相关播放量最好的视频其实并不是已经400W的洛天依的原唱视频，而是墨韵弹奏的古筝和鼓合奏的纯曲版，已经有接近500W的播放。

民乐乐器版的流行更稳固了《权御天下》在国产古风神曲中的地位，而使用民乐乐器演奏现代的流行歌曲也更为常见，一如《权御天下》也有唢呐等不同版本。

人类，二次元没毛病 仅仅关于一首《权御天下》就可以延伸出这么多的二次元亚文化介绍，《闪光少女》的出现可以说是中国电影开掘出的一个新的领域。

二次元，词源来源于日本，原本是指二维世界，与三次元指的三维世界对立，但在流行文化的延伸中已经拓展为动漫的虚拟世界和我们存在的现实世界对比。而塑造二次元世界的文化支柱便是ACG，即漫画，动画和游戏。

二次元的文化中有着其独有的语言体系，更有种许多不同于现实世界的行为模式，比如《闪光少女》中的一宿舍“怪胎”。但二次元作为一种文化与音乐、文学和电影的交融越来越密切，也加速了其流行程度。人都很难拒绝流行的东西的，流行具有不能仅用价值观阻挡的无形的力量。

年轻人喜欢流行文化这点，只要你是人类，就肯定没毛病。

为啥拒绝胡萝卜？（关注公众号：拒绝胡萝卜）

TA说：因为我更爱吃西红柿

TA也说：因为我更爱吃茄子

最后一个TA说：因为我更爱吃秋葵

在说正题之前，先听一段莫扎特歌剧《魔笛》（Die Zauberflöte, 1791）夜后的经典唱段“我心中燃烧着复仇的火焰”（"Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen"）。据说夜后被认为是西洋歌剧花腔女高音技巧第二难的角色——第一难的花腔女高音角色是多尼采蒂（Gaetano Donizetti）歌剧《拉美摩尔的露琪亚》（Lucia di Lammermoor, 1835）里的露琪亚——。夜后这个角色的难度来源有二：快速的琶音，最高音为high F，音高太高了，非常难唱准；除此之外，《魔笛》是一部用德语演唱的歌剧，德语的发音方法与美声的发声方法相互不太适合（相对来说意大利语更适合美声的发声方法），唱惯了意大利语的歌剧演员在演出德语歌剧的时候都或多或少会感到嗓子不舒服。

《闪光少女》开场第一个在琴房里练长笛的女孩吹的是长笛“反串版”的“我心中燃烧着复仇的火焰”。影片后面还有一段“反串”，西乐和民乐斗琴的时候，有个弹竖琴的弹的是德彪西的《阿拉伯风格曲第一首》（Première Arabesque, 1888）。

有观众看完本片不太理解故事的核心矛盾：学西乐的有那么看不起学民乐的么？

答案是肯定的。作为一个从小被父母逼着学西乐的二把刀，我周围一起学琴的孩子没有一个不“鄙视”民乐的。我自己也“鄙视”学民乐的。

先来讲个故事：中国著名作曲家吴祖强在文革期间，会同另外两位作曲家王燕樵、刘德海合写了琵琶协奏曲《草原小姐妹》。所谓琵琶协奏曲指的是琵琶独奏，西洋管弦乐队伴奏。曲子写好了，吴祖强找了琵琶演奏家和（可能是）中央交响乐团一起排练，第一次合练之后，初试民乐与西乐搭配的吴祖强心里没底，找乐团的人问感想，得到的答复是：听着挺好听的，就是感觉有一股碎木头音。“碎木头音”——这就是当年搞西乐的专业乐团对琵琶独奏声音的评价。

但是这里面有两个概念要搞清：什么是“西乐”、什么是“民乐”？《闪光少女》讲的西乐民乐之争，并不是“外国的音乐”“中国的音乐”这么概括的概念，而是在欧洲兴起、发展了500年的标准化乐队音乐，与在中国的田间地头兴起、在中国的音乐手艺人群体间流传了上千年、极大程度保留原生态属性的民族乐器音乐之争。

海顿

西洋音乐界普遍认为奥地利作曲家海顿（Franz Joseph Haydn, 1732-1809）为“交响乐之父”。在海顿之前，西洋音乐处在巴洛克时期，这个时期是西洋音乐标准化的萌芽阶段，当时的音乐家已经开始有意识地把欧洲各国不同种类的乐器进行归类、改良，并搭配成适合放在一起演奏的一组乐器，比如当时的小提琴已经从12世纪的两根琴弦（当时的名字叫拜占庭里拉Byzantine lyra，从中亚经拜占庭帝国传到欧洲的）、到16世纪初的三根弦，演变为现在普遍的四根弦。

拜占庭里拉

然而当时的乐队音乐听上去仍然比较原始，特别是乐器搭配比较自由，比如巴洛克时期代表人物巴赫的《勃兰登堡协奏曲》（Brandenburgische Konzerte, 1721），一共有六首，每首的配器数量和种类五花八门：

第一号：全部弦乐器另加一把高音小提琴，2支圆号，3支双簧管，1支大管，通奏低音。

第二号：直笛，双簧管，小提琴，1支高音小号，弦乐器，通奏低音。

第三号：3把小提琴，3把中提琴，3把大提琴，通奏低音（1把低音提琴和1架羽管键琴）。

第四号：1把小提琴，2支直笛，弦乐队，通奏低音。

第五号：小提琴，长笛，羽管键琴，弦乐器，通奏低音。

第六号：2把中提琴，2把低音维奥尔琴，1把大提琴，通奏低音（1把低音提琴和1架羽管键琴）。

上面说的很多乐器可能大家都没听说过。高音小号在巴赫去世之后就从主流西洋音乐界消失了。

巴洛克时期之后是西洋音乐的维也纳古典时期，海顿、莫扎特、贝多芬、舒伯特这几个经常在维也纳活动的人物是这一时期的代表。从海顿开始，交响音乐的演出模式开始被标准化，巴洛克时期常用的乐器在海顿时期基本被改良到了定型的阶段，适应了合奏的音响需要。海顿创作的交响音乐基本上由弦乐（第一、第二小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴）、木管（长、短笛，单、双簧管，大管）、铜管（圆号、小号）、打击乐组成，这是西洋管弦乐队标准化的开始，莫扎特的交响乐也基本沿袭了这个配置。

贝多芬将古典时期交响乐的模式发展到极致，在贝多芬的交响乐里出现了长号。在随后的交响乐作品中，大号加入管弦乐队大家庭，作为铜管的通奏低音成为了标准化乐队的一部分。

西洋管弦乐队标准化配置

古典时期之后，欧洲音乐界进入了浪漫时期，19世纪是浪漫时期最兴盛的时期，该时期涌现出一大批著名古典音乐作曲家，《闪光少女》中徐璐暗恋的师兄在琴房弹奏钢琴曲的作者肖邦、《阿拉伯风格曲》的作者德彪西、“野蜂飞舞”的作者尼古拉·里姆斯基-科萨科夫（Nikolai Andreyevich Rimsky-Korsakov, 1844-1908，“野蜂飞舞”选自他的歌剧《撒旦王的故事》）都属于这个时期。这个时期的管弦乐队乐器已经完全定型，有所改动的是演奏者数量，和少数为了适应个别曲风需要而临时加进来的非标准化乐器，比如小约翰·施特劳斯《维也纳森林的故事》里临时加入作为独奏的齐特琴（Zither）。

齐特琴

进入20世纪之后，古典音乐的发展开始走向多元化，电子合成器的运用越来越多，古典音乐和流行音乐的界限越来越模糊。然而作为古典音乐标准化的产物——西洋管弦乐队的基本配置已经固定下来了。也就是说，古典音乐的500年是音乐、乐器标准化的过程。在这个过程中，能被这个标准化系统吸纳的就成为了交响乐队的一部分，不能被吸纳的就成为了历史（比如巴赫时期的高音小号），或者只能进行独奏（比如《维也纳森林的故事》里的齐特琴）。

民乐的乐器在几千年来也经历了不断改良、不断适应民族管弦乐队合奏的过程，然而囿于各种原因，民族管弦乐队的标准化程度和西洋管弦乐队并不处在同一量级，根本不是同一级别的概念，所以其实二者没什么好争的。你觉得工业革命大机器流水线和小作坊驴拉石磨耕牛犁地有可能争得起来吗？我这么说倒是没想打压民乐，流水线有流水线的优势，小作坊能做出流水线做不出的特色产品；只是如果民乐真的要争，适合跟它正面争夺的也应该是齐特琴这种奥地利民族乐器，而不是一套高度标准化的乐队。

尽管《闪光少女》把学西乐的孩子黑到夸张的程度，大多数学西乐的都不会这么过分，然而我觉得鲍鲸鲸把学西乐的鄙视学民乐的精髓抓得很准。片中钢琴帅师兄说的“扬琴小打小闹不是正经乐器”，这些话我和小伙伴练琴的时候都说，而且是变着花样地说。都是学音乐的，为什么学西乐的在学民乐的面前这么装逼？我觉得原因有三：

大部分民乐乐器音量太小，回声效果差。西洋乐器的一大特点就是回声效果很好，弦乐器的音箱、管乐器的管道都能起到特别好的回声效果。西洋音乐都很在意回声，唱歌剧的不需要话筒就可以让整个音乐厅的人听清楚。民乐乐器回声最大的就是扬琴，就这点音量根本比不上西洋乐器。可能有人想拿唢呐和笙反驳我。我觉得唢呐那个叫穿透力强，不叫音量大。笙太吵了，听着有点烦。

中国民族乐器没有低音声部。中国的民族管弦乐团是需要大提琴、低音提琴作为通奏低音的，否则声音听上去非常飘，不厚实。因为大提琴、低音提琴回声效果比民乐器更好，他们和民乐队合奏的时候都要故意拉得弱一点。

最重要的一点：中国民族音乐没有和声。巴赫作为西洋音乐的“音乐之父”，最拿手的就是多声部的复调音乐，西洋音乐的起源就是多声部音乐，以单一旋律为主的主调音乐是后来才发展起来的。中国的绝大多数民族音乐都没有和声，只有单一旋律，所以听上去不如西洋音乐厚实、有层次感。前几年侗族大歌被发现的时候，中国民族音乐界一片叫好，认为自己甩掉了西方人给我们扣的“中国民族音乐没有和声”的帽子。然而我不以为然，我觉得这种说法只是顺应了“中国民族音乐不比欧洲的差”“侗族是中国多民族大家庭的一员”的双重政治正确，非常牵强，实质重于形式地说，中国大部分民族音乐没有和声。

可能上面这些看上去还是太像一个学西乐的在鄙视民乐。我个人觉得陈钢、何占豪把民族音乐融入西洋音乐体裁的《梁祝》，殷承宗等人把黄河改编为钢琴协奏曲，吴祖强创作琵琶协奏曲，丁善德等人的二泉映月，良宵，鲍元恺的炎黄风情，《闪光少女》中提到的李焕之的《春节序曲》（结果片子里错误地说成了《节日序曲》，《节日序曲》是施万春创作的，也是西洋管弦音乐体裁的中国音乐作品），都是非常好的中西搭配的尝试。所谓西乐和民乐本来就没什么可争的，不如像上面几个前辈那样取长补短，既丰富了西洋标准化音乐的曲库，也借此宣传了我们的民族音乐，一举两得。

P.S.片中学校西洋乐队演奏莫扎特的钢琴协奏曲的时候配了一个指挥。实际上那个年代的协奏曲演出是没有指挥的，独奏家起到了指挥的作用，乐队成员都根据独奏家的动作掌握演奏进度。

二次元这种亚文化这两年在国内越来越火，火到很多公众号根本不知道“二次元”一词是什么意思也要在文章标题带上这词以便蹭一波热点，火到文化人许知远在做《十三邀》这个节目时有一期专门去采访了二次元圈子里的人。

许知远带着疑惑采访了几个热爱cosplay的小女孩，面对这些穿上各式各样COS服装活泼地蹦跶在漫展的小朋友，他第一次在镜头前表现得不知所措。他可是面对李安等众位大咖都可以表达自如的许知远，但面对这些想法与自己格格不入的小女生，他大概连准备好的采访大纲都无处施展，因为这是一个他从来没有接触过的圈子，是他不知道如何寻找切口去了解的亚文化。

这就是二次元的神奇之处，天然自带一种把圈外人统统屏蔽的气场。不看动漫、不了解ACG文化的人，无法理解动漫控的快乐，更无法理解为什么他们可以穿着各种浮夸的COS服饰旁若无人地出席各种日常场合，大众把他们形容成——奇葩。

就像是《闪光少女》里的学生不理解502宿舍一样，同学们不敢靠近这个群体、甚至以取笑这个群体为乐，然而，只因自己身处多数派就感觉自带光环站在高位去歧视少数派——这种优越感其实是一种狭隘无知。

《闪光少女》的女主角陈惊一开始也对502宿舍存在偏见，不过，陈惊虽然相对于502是多数派，但相对于学西洋乐的同学她这位学民族乐的人又成了少数派，这种尴尬的情况使得她为了寻求共鸣不得不放下偏见去接近502宿舍，去了解她们的爱好、接触二次元文化。这恰恰成了陈惊最大的闪光点——对于自己不知道不理解的事物，即使存在偏见和恐惧，也不会去反对打压，而是愿意放下成见去了解。

《闪光少女》里面展现的二次元少女、二次元文化其实与真实的二次元存在偏差，大概导演编剧都不是二次元圈内人，存在一点偏差是可以容忍的。但它至少勇敢大胆地去展现了这个群体，不畏旁人眼光去让该群体发声，告诉那些沾沾自喜的多数派——少数派也有存在的合理性。

这世界上很多人因为占据着大众文化的道理，就觉得自己站在了一个宇宙霸主的地位，某些极端分子甚至发明了一种文化纳粹主义，试图把自己不赞同、不愿去了解的小众文化、边缘文化一一铲除，以制造一个天下大同的假象局面。

殊不知，这世界有一些鱼是关不住的（不好意思虽然我不喜欢《大鱼海棠》但这句话真的蛮好用的），这些关不住的鱼就如同二次元文化、如同世界上任何一位少数派，他们即便受尽冷眼打压也坚定地站在自己热爱的事物面前，以一种与全世界为敌的气势去对抗某些狭隘的多数派。

而《闪光少女》就让我看到了这份为少数派辩护的气势，无论是对于二次元文化的挖掘、还是对于民族音乐的保护，它都做到了发自肺腑的“爱要大声说出来”。

面对大多数同学的嘲笑，502宿舍坚持我行我素；面对西洋音乐的挑战，民乐一派用对方眼中最土的唢呐去赢得胜利；电影里一开始遭受了心上人大量白眼的女主，最后用过硬的实力给对方一记漂亮回击……这些都是维护少数派的有力证据，是对少数派的温柔爱护。

坚持做少数派不容易，不因旁人的目光而动摇，“我不怕千万人阻挡只怕自己投降”，朋友们，这就是摇滚精神、是“饮冰十年难凉热血”。少女能够闪光，就是因为从来不会委屈自己去迎合大众，无论你爱或不爱，我自发光，穿着COS服饰的动漫控也一样，不会因为你们的嘲笑我就脱下COS服。

你可能也曾因为太有个性太小众而不被理解、不被接纳，请不要怀疑自己，正是这些与众不同的特质才使你不泯然于众人、才使你闪闪发光，要记住“我就是我，是颜色不一样的烟火”，走自己的路，添多数派的堵。

除了为少数派发声之外，作为一部弘扬民乐的电影，它在配乐上是下了功夫的，西洋乐民乐斗阵部分很燃，gala和杨宗纬的歌与剧情也特别贴合，值得一提的是，客串的陈奕迅贡献了全片最好的表演。

虽然这部电影的确存在一些尴尬的细节、也存在一些生套二次元而水土不服的桥段，不过没关系啊，正如电影里笨拙青涩的少年少女一样，这是青春该有的样子。《闪光少女》能有这份对少数派的支持、能有对二次元题材大胆的尝试，让人看到了国产青春片的另一种可能，给点耐心，去探索看看少数派还会给我们带来什么惊喜，就像那头发出52赫兹声波的鲸鱼一样，即使很孤独，依然坚持歌唱寻找同类。

先说是不是，再说为什么。即首先：学西洋乐器的同学是不是看不起学民乐的同学从而导致了互相敌对。

对这个问题我想答案是肯定的，即使学钢琴小提琴的同学远远不及片中人物那般飞扬跋扈，对民乐同学的蔑视至少在小范围人群中是存在的。即使作为更大群体的音乐欣赏者，想起西洋乐脑中的图景都是金色大厅整齐有序的合奏，而想起民乐都是凉凉秋风中二胡那如泣如诉的声音，很可能前边还放了个破碗。

而实际上，这两种脑海景象的差异就提示了接下来的为什么：管弦乐组同学看不起民乐组的核心在于民乐直到今天，都是缺乏“工业体系”的。

工业体系是什么？这就是西洋管弦乐的工业体系：

欧洲古典乐之所以到今天长盛不衰，在于通过巴赫、海顿等人其演奏形成了一套固定范式可复制的演出阵容。“模式统一”、“可以复制"，这就是工业体系很重要的两点，也是给了西洋乐同学无穷信心的规整统一形象的来源。

海顿之所以成为交响乐之父，是因为西方管弦乐的这套体系自海顿起近于成熟。把基本模式确定下来以后，摇滚祖师爷贝多芬闪亮登场，开启了维也纳古典乐派的辉煌时代。

往后古典天才莫扎特，浪漫派旋律大师柴可夫斯基，古典浪漫混合的勃拉姆斯，别出心裁的德彪西，直到今天，西方管弦音乐体系的基本配置都是上面那张图，不论时期和乐派。

当然，并不是说所有演奏都是一成不变的，针对有些作曲家的特别乐曲会加入特色乐器或增加某个声部的乐器数量，但基本构架是定型的。

这就构成了西洋乐器同学的信心，以及我们脑海中想起管弦乐组时的辉煌情景。

而民族乐虽自豪有着千年悠远历史，却至今未形成如此统一的演出形式，甚至在合奏乐器配置上都没有统一的说法。这就造成了在西洋玩家心中，民乐小打小闹的也算是乐器？也造成了大街小巷不见小提琴，却怜见瑟瑟秋风中古稀老人一曲惆怅《二泉映月》。

究其原因，就是民族音乐体系里，没有固定的合奏模式。因此民乐艺人走上街头，自开门户；因此钢琴同学觉得民乐就是在小打小闹；而这种情况给民乐作曲也增加了困难，曲谱的匮乏反哺了民乐的日渐式微。

为什么民乐组难以形成统一的合奏模式呢？

其一在于民乐里没有通奏低音，即对应于大提琴(cello)、低音提琴(bass)的乐器。浑厚的低音声部为合奏提供了坚实的基础与深刻的意蕴，而民族管弦乐组没有这个条件，民乐合奏时往往需要大提琴、低音提琴作为通奏低音。也许低音在音乐演出里很少成为夺人眼球的“弄潮儿”那类，但低音相当于地基，整个和弦都是搭在作为低音的根音之上的，没有低音，乐队会垮，听觉感受就是音乐飘，不厚实，“没底”。

其二也是西方音乐与民乐很重要的分野：民乐没有和声。巴赫作为西方近代音乐之父，其一在于整合了欧洲各国种类繁多的乐器，开创了管弦乐团标准化编制的雏形，其意义在上文有讲到；其二就在于娴熟使用了复调写作，极大增强了合奏的音乐表现力。没有和声的民乐，乐器之间没有各声部的“合作”以共同实现某一音响效果，合奏也就失去了色彩。

由此可以看出，实际上就整体架势而言，民乐是没有竞争力的。民乐的优势，在于其单个乐器极强的表现力与细腻的意境。这两点可以就片中高潮情节“斗琴”来分析。

我觉得出于剧情需要，斗琴这一段西洋管弦乐组是放了水的。只论输赢的话，西方的竞争力不在钢琴，在于那个一脸死相的妹子领衔的弦乐组。

也就是我上文说的，西方音乐体系的优势在于能构造丰富和声表现的规整弦乐组，而我们来看看片中他们是怎么做的：

首先古筝女甩出了广陵散：

西洋组以德彪西相对：（阿拉伯风格曲第一首）

这一段算是分庭抗礼。

随后西方弦乐组上台，竟然来了一段野蜂飞舞：

我这个竟然是说：要想赢过民乐组，上野蜂飞舞意义是不大的。

野蜂飞舞无非是一个技巧的问题，虽然是基于西方乐器写的曲，对民乐是一个挑战，但其旋律重于和声，只要民乐玩家有能力，野蜂飞舞不是弄不出来的。而实际上我们也看到，民乐人接住了：

最后西乐组这边派出了钢琴：

这是一个很鸡肋的战术。钢琴虽贵为乐器之王，但演奏一段野蜂飞舞，在民乐面前很难说有竞争力。钢琴的独特之处在于能同时构建和弦和旋律，民乐器里没有一件能做到这点，野蜂飞舞这一段发挥不出钢琴的这种优势。就个体表现而言，多数西方乐器都难以与中国传统乐器匹敌，提琴干不过二胡，打击乐擂不过大唐鼓，更何况钢琴与扬琴是同宗的......

所以民乐团搬出了扬琴：

接住野蜂飞舞的民乐团，最后上了唢呐：

唢呐是没得打的，百鸟朝凤一出，西方弦乐团完全接不上了。

他们想要赢的话，把野蜂飞舞换成随便一段巴赫的复调或贝多芬的交响，民乐是很难受的。但由于本片宣传民乐的价值导向，他们并没有这么做，在唢呐高亢的鸣啭中不知所措地结束了。

其实可以想见，西方管弦乐长于和声演奏，胜在气势和共鸣；中国民乐团精于个体表现，能构造出奇丰富的旋律甚至模拟马嘶鸟鸣，其合作而互相成就的空间巨大，也远远好过对抗相争。我们也经常能看到管弦乐与民乐合作演绎出非凡的音乐，民乐与西洋乐的矛盾，更像是也应该是马克思所表述的对立统一。

最后我想以类似《一代宗师》一段台词结束这篇文章：

其实音乐之大，又何止中西。无容相争，等于固步自封。在你眼中，这是一段斗争，在我眼中，这是一个世界。真爱音乐的话，中西何不是大同呢。